uncanny
Esp.
a duo con la artista María Fernanda Carlo (Mx-Gt) en +Arte Galeria (Quito-Ecuador). En la muestra las obras: Incesablemente, Ghre y Wu-Yu·
Eng.
Duo show with María Fernanda Carlo (Mx.Gt) at +Arte Galeria (Quito-Ecuador). Incesablemente, Ghre and Wu-Yu were part of uncanny.
Esp. (english below)
“uncanny”
texto por Gabriela Moyano
“uncanny” destaca las obras de las artistas María Fernanda Carlos y Pamela Corrales. Juntas, las artistas examinan temas que parten de su esfera íntima que incluyen el sostener y contener como figuras femeninas, el hogar y rituales de sanación a través de la evaluación del conocimiento ancestral, intergeneracional y personal. Nos mueven a apreciar la interrelación de nuestra vida cotidiana y sus territorios.
La identidad está intrínsecamente integrada con los espacios de habitar y las acciones diarias. Las artistas fomentan una comprensión de estos espacios de uso diario como una extensión de la relación cuerpo-contexto, observando de qué formas habitan, se desplazan, se relacionan, y aprenden/desaprenden.
Divisiones, fronteras, límites. Nos hablan de un centro y sus bordes. La tierra que nos pertenece y es ajena al otrx. Cuando hablamos de los espacios cotidianos como territorios, las fronteras se vuelven difíciles de trazar, quizás por la falta de práctica o su diversa materialidad. El encanto de los parajes de ambas artistas es que son territorios que no se encuentran en mapas (o en el internet), a veces ni en este mundo físico. Quizás son áreas dibujadas sobre paisajes que todxs conocemos, como si de intervenciones a la realidad se tratara.
A través de lo orgánico, habitual y coyuntural sale a la superficie lo apacible. En Belleza Compulsiva, Hal Foster no solo ofrece una lectura del surrealismo sino que considera de manera atemporal las implicaciones del deseo y el trauma. Un arte entregado al concepto de uncanny, como el retorno de lo reprimido con fines críticos a través de la compulsión de repetición y pulsión hacia la muerte. “Creo que el concepto que reúne estas cualidades es el de uncanny, es decir, un interés en los eventos que la materia reprimida regresa de manera tal que desestabiliza la identidad unitaria, las normas estéticas y el orden social. Lo que voy a plantear es que los surrealistas no solamente se sienten atraídos por el retorno de lo reprimido, sino que además buscan redirigir ese retorno con fines críticos” ( Hal Foster, 18). Para Máximo Eseverri, el término uncanny atraviesa los principales objetivos del surrealismo: la liberación de las ataduras del intelecto y la fusión de arte y vida.
La obra de María Fernanda es resiliente y de cualidad crítica, a través de su experiencia como madre y mujer plantea debates necesarios que quizás a escala política y social están siendo visibilizados pero que dentro de los hogares, a escala pequeña, pareciera que al cerrar la puerta quedan fuera. La parte nutricia de su obra y la cromática que acentúa la carne nos regresa al cuerpo matérico; un cuerpo generacional que como un objeto de tejido se puede ir deshilando indagando en su herencia. María Fernanda parte de reflexiones en torno a la herencia, la maternidad y los roles de la mujer. El nutrir pasa a ser color, el cuestionamiento generacional pasa a ser bordado y sus espacios pasan a ser tela.
Pamela Corrales, incesablemente – como titula una de sus series – indaga en su identidad buscando rastros en los espacios que habita y recorre. De manera meditativa que a momentos se torna compulsiva, busca su valor y utilidad como mujer y no madre. En procesos cargados de crítica personal llega a regiones azules de calma donde puede ver que el oscilar entre polos tiene un hilo de procedencia y es una forma de ser humana. Pamela realiza ejercicios de rendición y observación. Partiendo desde su medio, la fotografía, nos confronta a impresiones digitales de pulsogramas, a cianotipias geográficas y a una lucha encapsulada en sonido e imagen.
Los procesos de las artistas son espontáneos, experimentales y circunstanciales. Yendo hacia adentro, observando en estado de pregunta; examinando lo misterioso que no está medido o marcado dentro de su suelo y se vuelve abstracto para la experiencia como ser humano. Como para Yolanda López, artista Chicana, para quien su conocimiento creciente en relación a su vivencia personal, sus tradiciones e historia ligada a su familia y cultura es congruente con la conciencia de cómo la historia social y política de su familia es paralela a la de otrxs, en diversos niveles. “Esta revelación personal y en evolución ha creado dentro de mí un nuevo sentido de comunidad e identidad basado en nuestra comunidad” (Yolanda López, 2022). Ambas artistas nos hablan de las mujeres que nos anteceden y cargamos como segundas pieles (figuras femeninas en la obra de María Fernanda o estereotipos en la obra de Pamela), nos hablan de la relación entre tiempo y valor, y de la carencia de apreciación hacia el bordado y ciertos ejercicios no formales de creación.
La muestra intercambia opiniones, expectativas y recuerdos a partir de la conflictiva identidad (femenina) en los lugares de habitar de las artistas, para colocar la pregunta sobre la posibilidad de otros mundos que no ignoren la memoria – histórica e individual – que corresponde a cada espectador de dicho territorio. Un estado de resiliencia al transitar estos espacios cotidianos, desde sus periferias hasta su raíz.
Eng.
“uncanny”
text by Gabriela Moyano
“uncanny” features the work of artists María Fernanda Carlos and Pamela Corrales. Together, they examine themes rooted in their intimate spheres, including the acts of holding and containing as feminine figures, the domestic space, and rituals of healing through the evaluation of ancestral, intergenerational, and personal forms of knowledge. Their work invites us to recognize the interrelation between our everyday lives and the territories they inhabit.
Identity is intrinsically interwoven with spaces of dwelling and daily practices. The artists encourage an understanding of these quotidian spaces as extensions of the body–context relationship, observing the ways in which individuals inhabit, move, relate, and learn/unlearn.
Divisions, borders, thresholds. They speak to us of centers and their edges. Of land that belongs to us and is foreign to others. When we consider everyday spaces as territories, boundaries become difficult to delineate—perhaps due to a lack of practice or to their shifting materiality. The allure of the landscapes evoked by both artists lies in the fact that they are territories absent from maps (or the internet), and at times not even anchored in the physical world. They may instead be areas inscribed upon landscapes we all recognize, as if they were interventions into reality itself.
Through the organic, the habitual, and the circumstantial, tranquility surfaces. In Compulsive Beauty, Hal Foster not only offers a reading of Surrealism but also considers, in a timeless way, the implications of desire and trauma. An art devoted to the concept of the uncanny—the return of the repressed, redirected toward critical ends through the compulsion to repeat and the death drive. “I believe the concept that brings together these qualities is that of the uncanny; that is, an interest in those events in which repressed material resurfaces in such a way as to destabilize unitary identity, aesthetic norms, and social order. What I propose is that the Surrealists were not only drawn to the return of the repressed, but also sought to redirect that return toward critical aims” (Hal Foster, 18). For Máximo Eseverri, the term uncanny traverses the central objectives of Surrealism: the liberation from the constraints of the intellect and the fusion of art and life.
The work of María Fernanda is resilient and critically charged. Through her experience as mother and woman, she addresses necessary debates that may be visible at political and social scales, but which—within the domestic sphere, behind closed doors—often remain excluded. The nurturing quality of her work, together with a chromatic palette that emphasizes flesh, returns us to the material body: a generational body that, like a woven fabric, can unravel as it questions its inheritance. María Fernanda reflects on legacy, motherhood, and women’s roles. Nurture becomes color; generational inquiry becomes embroidery; spaces are transformed into fabric.
Pamela Corrales, relentlessly—as the title of one of her series suggests—probes her identity, seeking traces within the spaces she inhabits and traverses. In a process at once meditative and compulsive, she searches for value and utility in her condition as a woman and not a mother. Through practices charged with self-critique, she reaches blue zones of stillness, where she can perceive that oscillating between poles carries a genealogical thread and constitutes a way of being human. Pamela engages in exercises of surrender and observation. Beginning with her medium, photography, she confronts us with digital prints of pulsegrams, geographic cyanotypes, and a struggle encapsulated in sound and image.
The artists’ processes are spontaneous, experimental, and circumstantial—turning inward, observing from a place of inquiry, examining what is mysterious, unmeasured, or unmarked within their ground, and abstracting it for human experience. In this sense, their practice resonates with Chicana artist Yolanda López, for whom an expanding knowledge of her personal life, traditions, and history—entwined with family and culture—runs parallel to a broader awareness of the social and political history her family shares with others at multiple levels. “This personal and evolving revelation has created within me a new sense of community and identity based on our community” (Yolanda López, 2022). Both artists speak to us of the women who precede us and whom we carry like second skins (female figures in María Fernanda’s work, or stereotypes in Pamela’s), of the relationship between time and value, and of the lack of appreciation for embroidery and other non-formal creative practices.
The exhibition stages an exchange of perspectives, expectations, and memories arising from the conflictual (female) identity within the artists’ spaces of habitation, in order to raise the question of the possibility of other worlds—worlds that do not dismiss the memory, both historical and individual, that belongs to each viewer of such a territory. A state of resilience emerges in the navigation of these everyday spaces, from their peripheries to their roots.